Gaby Cepeda sobre el río Álvaro

Vista de "¡Suéltame!" de Bayo Álvaro en Deli Gallery, Ciudad de México, 2023. (Izquierda) Bosque, 2023. Porcelana fría sobre estructura metálica, pintura al óleo, pigmentos, laca, 163 × 66 × 55 cm. (Derecha) Aloe para el príncipe flor (1), 2023. Porcelana fría sobre estructura metálica, malla metálica, esmalte, laca, 99 × 74 × 38 cm. Imagen cortesía del artista y Deli Gallery. Foto de Ramiro Chaves.

Bayo Alvaro, Cerberus' Slavering Mouth (Aconitum), 2023. Porcelana fría sobre fibra de vidrio, estructura metálica, pintura al óleo, pigmentos, laca, 178 × 99 × 91 cm. Imagen cortesía del artista y Deli Gallery, Ciudad de México. Foto de Ramiro Chaves.

Vista de "¡Suéltame!" de Bayo Álvaro en Deli Gallery, Ciudad de México, 2023. (En el piso) Flex, 2023. Porcelana fría, cuerda, cinta adhesiva, 21 × 19 × 45 cm. (En la pared) Sendero de las Pretas, 2023. Papel, cola de PVA, 30 × 234 × 8 cm. Imagen cortesía del artista y Deli Gallery. Foto de Ramiro Chaves.

Bayo Alvaro, SD, 2023. Porcelana fría, cuerda, cinta adhesiva, 36 × 22 × 4 cm. Imagen cortesía del artista y Deli Gallery, Ciudad de México. Foto de Ramiro Chaves.

Vista de "¡Suéltame!" de Bayo Álvaro en Deli Gallery, Ciudad de México, 2023. (Frente) Nos acostamos con orgullo en el campo Iris, 2023. Porcelana fría sobre estructura de metal, cadena, malla de alambre, cuerda de henequén, joyas de plata, herrajes, pintura a base de aceite, esmalte, 264 × 52 × 36cm (Reverso) Hueso, Jacinto y Hiedra, 2023. Porcelana fría sobre estructura metálica, cerámica, malla, cadena, linóleo, cable de PVC, pintura al óleo, pigmentos, esmalte, laca, 406 × 71 × 71 cm. Imagen cortesía del artista y Deli Gallery. Foto de Ramiro Chaves.

Bayo Alvaro, Canopy (Sket), 2022. Porcelana fría, pigmentos y pintura al óleo sobre estructura de acero, vinilo, cordones de algodón, anillo de cobre, 99 × 41 × 56 cm. Imagen cortesía del artista y Deli Gallery, Ciudad de México. Foto de Ramiro Chaves.

Vista de "¡Suéltame!" de Bayo Álvaro en Deli Gallery, Ciudad de México, 2023. (Izquierda) Bosque, 2023. Porcelana fría sobre estructura metálica, pintura al óleo, pigmentos, laca, 163 × 66 × 55 cm. (Derecha) Aloe para el príncipe flor (1), 2023. Porcelana fría sobre estructura metálica, malla metálica, esmalte, laca, 99 × 74 × 38 cm. Imagen cortesía del artista y Deli Gallery. Foto de Ramiro Chaves.

Las esculturas recientes de Bayo Álvaro, que evocan una flora extraña y alienígena, recuerdan las descripciones de Karen Barad de una "performatividad queer" de la naturaleza.1 En esta concepción del mundo natural, nada es nunca exclusivamente masculino o femenino, animado o inanimado; ni es simplemente bueno o malo. Más bien, existe un potencial infinito para el cambio y la acción interna. Las piezas de la tercera exposición individual de Álvaro en la Ciudad de México y la primera con Deli, una sucursal recién inaugurada de la galería de Nueva York, aparecen entrelazadas en simbiosis, reflejando las formas en que los seres vivos tienden continuamente hacia y se transforman unos a otros.

El joven artista mexicano ha trabajado anteriormente en fotografía, collage e instalación. Aquí, la atención se centra en la escultura. Las quince piezas exuberantemente distribuidas en la espaciosa galería de cuatro salas de Deli muestran el enfoque de Álvaro para esculpir formas que desafían la categorización fácil, ambiguamente equilibradas entre plantas y animales, criaturas vivas y objetos inanimados. Los objetos de Álvaro son ejemplos particularmente lúcidos de una tendencia común en la escultura contemporánea: su tratamiento seductor de los materiales lo diferencia de los intentos más discursivos y didácticos.

Cada habitación se siente completamente articulada. Las piezas se colocan en proximidad, como si participaran en un diálogo intrincado, mientras que las obras más pequeñas se organizan como si formaran un ecosistema íntimo. Tal es el caso de las dos salas del primer piso, donde Cerberus' Slavering Mouth (Aconitum) (todas obras 2023 a menos que se indique lo contrario), preside el espacio acompañado de Black Nest (Sacrificio). El primero es una disposición de tres tablones a modo de brazos o lenguas que parecen invadir los espacios del otro, como deseando una caricia que nunca llega a materializarse, a pesar de que los tablones comparten la misma base metálica. Están hechos de porcelana fría estirada sobre un esqueleto de fibra de vidrio, pintados con aceite, pigmentos y laca de color rojo oscuro y negro, pero sus formas detalladas y las huellas de manos en sus superficies, insinúan un organicismo abierto. Son vértebras que se trazan a través de la piel; el techo de una boca; los pétalos de una extraña y gigantesca flor de la selva tropical o, como sugiere el título, las cabezas de Cerberus.

Si Cerberus parece tentativamente explorar sus propios órganos y el espacio circundante, Black Nest, ubicado al otro lado de la habitación, se enreda en sí mismo. Este objeto parecido a un cráneo de color mora profundo está suspendido del techo por cuerdas elásticas anudadas y finos giros de cuerda de henequén. Es corporal y sexual, pero rígido y controlado: una tensión que recuerda al BDSM. Su dinámica se completa con una pieza más pequeña, igualmente sugerente. SD es un segmento de cuerda gruesa en forma de gusano, finamente sumergido en porcelana fría blanquecina para que sus fibras naturales aún sean visibles. Termina en una punta redondeada que se anima cuando cuelga de la pared.

Las obras que abren la exposición son más duras y carnosas; a medida que uno se mueve por las habitaciones, las obras son más sutiles y etéreas. En el segundo piso, dos piezas, Nos acostamos orgullosamente junto al campo de Iris y Hueso, Jacinto e Ivy, cuelgan fantasmagóricas del techo en un sistema de poleas compartidas. Su apariencia es polivalente: podrían ser espíritus incorpóreos, especímenes botánicos exóticos, huesos alienígenas, medusas metafísicas. Se componen de piezas separadas de metal recubiertas de porcelana fría, combinadas con cerámica y unidas entre sí por cadenas, herrajes y cuerdas. Ambos son blancos, sus tentáculos/hojas moteados con toques de verde azulado claro y rosa. Su delicadeza sugiere que han evolucionado conscientemente juntos para coexistir mejor en este espacio y forma en particular. Otro punto destacado es Canopy (Sket) (2022), quizás la obra más vegetal de la muestra, pero que sigue sorprendiendo por su agudo uso del color y los materiales. Cuelga de una base parecida a una roca pegada a la pared, dos raíces huesudas que terminan en nadas flácidas amarillentas contrarrestan la tercera rama, peluda con hojas ennegrecidas como helechos.

El comunicado de prensa del programa comienza con una cita del ensayo de 1961 de Joan Didion "Sobre el respeto propio". En él, Didion despliega la difícil tarea de alcanzar el respeto por sí mismo a través de la disciplina, el estoicismo y una constante y digna aceptación de las consecuencias de las propias acciones. A la luz de esta idea de que el respeto por uno mismo emerge del conflicto entre las diferentes partes de uno mismo, las piezas de Álvaro apuntan a cómo, al buscar definirse y rehacerse, las personas lo hacen en relación con los demás. Siguiendo a Barad, las personas no están excluidas de la "naturaleza" y sus procesos de renovación, a menudo viciosos, a veces misericordiosos e interminables. Las piezas de Álvaro son como ofrendas florales, metáforas encarnadas de lo que uno está dispuesto a sacrificar, a cambiar.

Karen Barad, "La performatividad queer de la naturaleza", Qui Parle, vol. 19, núm. 2 (primavera/verano de 2011), 121–158.

Gaby Cepedaes crítico de arte y curador independiente radicado en la Ciudad de México.